Massimo Corvino ha visitato nella città friulana, ospitato negli spazi di Villa Cattaneo, l’evento curato da Enrico Merlin, sostenuto dal Comune di Pordenone e organizzato dal Festival Jazzinsieme dedicato al grande artista di Alton. Ecco il suo reportage
Ci sono artisti che appartengono a una stagione, altri che finiscono per rappresentare un genere. Miles Davis sfugge a entrambe le categorie. A cento anni dalla nascita, la sua figura continua a presentarsi come un corpo mobile, una presenza che attraversa il Novecento senza lasciarsi rinchiudere in una formula. Bebop, cool jazz, hard bop, modalità, orchestrazione, avanguardia, elettricità, funk, rock, pop e perfino hip hop: ogni volta che una definizione sembrava sufficiente a contenerlo, Davis aveva già spostato il proprio baricentro altrove. È da questa impossibilità di immobilizzarlo che prende forma “MILES DAVIS 100 – Listen to This!”, la mostra organizzata da Jazzinsieme e promossa insieme al Comune di Pordenone, aperta fino al 12 luglio 2026 negli spazi di Villa Cattaneo, in via Villanova di Sotto 16, con la curatela di Enrico Merlin.
Il titolo è già una dichiarazione di metodo. “Listen to This!” non invita soltanto a osservare cimeli, fotografie e documenti, ma chiede al visitatore di compiere l’azione più importante e più difficile quando si racconta un musicista in un museo: ascoltare. La musica non è accompagnamento di fondo o colonna sonora di un percorso visivo, bensì il centro dell’esperienza. Vedere significa cercare connessioni; ascoltare significa produrre conoscenza. È un rovesciamento rispetto a molte celebrazioni costruite sull’accumulo di oggetti e sulla rassicurante sequenza della biografia. Qui la cronologia non scompare, ma smette di essere una gabbia. Miles Davis viene raccontato attraverso le metamorfosi, le collaborazioni, i luoghi, le tecnologie e le tensioni che hanno rimesso continuamente in discussione il suo linguaggio.
Il cuore concettuale e tecnologico dell’esposizione è il database interattivo “Listen to This!”, una mappatura di oltre duemila registrazioni ufficiali consultabili attraverso postazioni individuali con computer e cuffie di qualità. Il visitatore può costruire il proprio itinerario seguendo epoche, musicisti, strumenti, luoghi, stili, collaborazioni e contesti, trasformando una discografia monumentale in una costellazione esplorabile. Ogni brano è accompagnato da indicazioni tecniche e analitiche: non un semplice jukebox digitale, dunque, ma uno strumento che mette in relazione suono e informazione. Davanti a Miles Davis non esiste una sola porta d’ingresso: si può partire dal timbro della tromba, da una ritmica, da un sideman, da una sessione, da una città, da un produttore o da una svolta tecnologica. Ogni scelta genera un racconto differente.
Questa struttura rispecchia il modo in cui la musica di Davis è cresciuta. Nato il 26 maggio 1926, Miles Dewey Davis III non ha semplicemente attraversato la storia del jazz moderno: ne ha intercettato le fratture, spesso anticipandole. Dopo l’esperienza nel bebop e accanto a Charlie Parker, contribuì alla diversa modernità di “Birth of the Cool”. Negli anni Cinquanta sviluppò un suono personale, riconoscibile per l’essenzialità, l’uso delle pause e la capacità di attribuire peso a una sola nota. Con il primo grande quintetto, le collaborazioni orchestrali con Gil Evans e “Kind of Blue” raggiunse un equilibrio che sarebbe bastato a consegnarlo alla storia. Ma Miles non era interessato a custodire un risultato: preferiva distruggerne la comodità.
La mostra chiarisce come la grandezza di Davis non coincida soltanto con quella del trombettista. Il suo talento più raro fu forse la capacità di immaginare un contesto, riconoscere nei musicisti possibilità ancora inespresse e costringerle a emergere. John Coltrane, Cannonball Adderley, Bill Evans, Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter, Tony Williams, Chick Corea, Joe Zawinul, Keith Jarrett, Dave Holland, Jack DeJohnette e John McLaughlin non furono semplicemente collaboratori di prestigio. Entrando nei gruppi di Miles venivano collocati dentro una situazione creativa instabile, nella quale le abitudini non offrivano riparo. Davis non era necessariamente il compositore più prolifico né il virtuoso più esibito; era un catalizzatore, un regista del rischio, un “amplificatore di potenziale”, secondo la prospettiva attorno alla quale Enrico Merlin ha costruito il progetto curatoriale.
La competenza del curatore diventa parte integrante dell’allestimento. Merlin ha dedicato decenni alla ricerca sull’opera di Miles Davis, alla catalogazione delle sessioni, allo studio dei nastri, delle edizioni discografiche, dei montaggi e dei rapporti tra il leader e i collaboratori. La mostra condensa questo lavoro senza trasformarlo in esibizione accademica. Il sapere specialistico viene tradotto in esperienza: una mappa da percorrere, un documento da collegare a un ascolto, una fotografia da leggere come testimonianza di un’identità costruita e trasformata. Le visite guidate di Merlin e il ciclo “Miles Unlimited” fanno così della mostra un organismo in movimento.
Il percorso si articola in otto aree tematiche. Dopo la sala del database, “The Musician” introduce il pubblico nella discografia e nei materiali d’archivio senza imporre una progressione obbligata. “The Icon” affronta la costruzione di Miles come figura culturale globale: il volto, gli abiti, le copertine, la postura e il modo di occupare lo spazio. Davis comprese che il suono non vive isolato dal corpo e dalla rappresentazione. L’eleganza degli anni Cinquanta, le automobili, gli occhiali, i colori, la moda radicale del periodo elettrico e le silhouettes degli Ottanta non furono semplici eccentricità, ma un’estensione del linguaggio e un modo di dichiarare indipendenza e controllo della propria immagine in una società attraversata dal razzismo e dall’industria dello spettacolo.
“The Artist” apre una prospettiva meno nota, presentando Davis anche come artista visivo e performer. Negli ultimi decenni della sua vita il disegno e la pittura divennero un altro terreno di ricerca: linee, corpi, maschere e campiture cromatiche sembrano proseguire la stessa tensione delle registrazioni, fatta di sottrazione, deformazione, spazio e gesto immediato. Il Miles pittore non è una curiosità biografica aggiunta al trombettista, ma un’altra espressione della necessità di cambiare forma.
Particolarmente preziosa è l’area “The Documents”, nella quale contratti, materiali della Columbia Records, corrispondenza privata e documenti di studio conducono dietro la superficie del mito. Sono carte che raccontano decisioni editoriali, rapporti professionali e processi produttivi. Alcuni materiali, presentati al pubblico per la prima volta, ricordano che la storia di un disco non coincide soltanto con ciò che avviene davanti ai microfoni. Intorno alle sessioni operano produttori, tecnici, grafici e fotografi; nel caso di Davis, soprattutto dagli anni Sessanta, il lavoro in studio diventa parte della composizione.
La sala “The Miles Davis Galaxy – The Bitches Brew Era” è probabilmente il punto nel quale la mostra manifesta con maggiore evidenza la propria energia. Il periodo compreso tra il 1967 e il 1970 viene rappresentato come una galassia: Miles al centro, attorno a lui musicisti, idee e traiettorie destinate a generare nuovi gruppi, linguaggi e genealogie musicali. “In a Silent Way” e “Bitches Brew” non furono soltanto album di rottura per l’introduzione più radicale di strumenti elettrici, ritmi derivati dal rock e dal funk o per la densità timbrica. Cambiarono anche il rapporto tra improvvisazione, registrazione e montaggio. Le lunghe performance di studio vennero selezionate, tagliate, sovrapposte e riorganizzate con il contributo decisivo del produttore Teo Macero. Il nastro non documentava più soltanto un evento: diventava materia compositiva.
In questa sala gli ascolti pubblici su un impianto high-end Audio Graffiti acquistano un significato che va oltre la dimostrazione tecnica. La qualità della riproduzione non è un lusso accessorio, ma uno strumento critico. Nella musica elettrica di Davis bisogna percepire la stratificazione delle tastiere, la pressione ritmica, la profondità delle percussioni, la posizione della tromba, le chitarre, i riverberi, gli interventi di montaggio e quel senso di spazio ambiguo nel quale elementi acustici ed elettrici sembrano muoversi insieme. Ascoltare bene significa accorgersi che il caos apparente è organizzazione, che la materia scura di “Bitches Brew” contiene una disciplina rigorosa e che la rivoluzione non nasce dall’abbandono della forma, ma dalla sua riconfigurazione.
Tra gli oggetti di maggiore richiamo figura una tromba originale appartenuta a Miles Davis, concessa dal collezionista statunitense Don Hicks. È inevitabile che uno strumento simile eserciti una forte attrazione simbolica. Il rischio del feticcio viene però neutralizzato dall’impostazione complessiva: la tromba non è presentata come reliquia autosufficiente, ma inserita nella rete di persone, suoni e trasformazioni che ne hanno fatto una voce. Uno strumento, da solo, rimane silenzioso. La mostra invita a chiedersi che cosa accada quando il fiato, il corpo, il microfono, la sordina, l’ambiente, gli altri musicisti e le scelte di registrazione convergono per produrre quel timbro riconoscibile. Il vero oggetto esposto, in fondo, non è la tromba: è il processo che l’ha fatta parlare.
Anche la fotografia svolge un ruolo decisivo. Le immagini originali di Anthony Barboza restituiscono il rapporto tra Davis e l’obiettivo, tra controllo e abbandono, personaggio pubblico e prossimità privata. Barboza, legato alla rappresentazione della cultura afroamericana, collaborò più volte con Miles e ne divenne amico. Nei suoi ritratti degli anni Ottanta il cappello, lo sguardo, la tromba nera e gli abiti elaborati diventano grammatica visiva. “The Icon” ricorda così che Davis fu anche un grande creatore di immaginario.
Il patrimonio esposto comprende circa trecento supporti fonografici, fotografie, riviste d’epoca, memorabilia e documenti provenienti da collezionisti internazionali e dall’archivio di Enrico Merlin. La collezione non è usata per dimostrare rarità o valore economico, ma per rendere visibili le molte vite della musica registrata. Un album cambia attraverso le edizioni, le copertine, i formati, i mercati nazionali, le ristampe e le riletture critiche. Vedere insieme vinili, CD, periodici e materiali promozionali permette di osservare come il significato di Miles sia stato prodotto, distribuito e continuamente riscritto. L’esposizione diventa anche una storia dei supporti e del modo in cui la cultura musicale conserva la propria memoria.
“Miles Davis in Italy” affronta un rapporto particolarmente fertile. Concerti, festival, apparizioni televisive, fotografie, manifesti e registrazioni costruiscono una storia fatta di ritorni e ricezioni differenti. La sezione mostra come il pubblico italiano abbia incontrato il Miles lirico, il leader del grande quintetto, il rivoluzionario elettrico e la star degli anni Ottanta. L’Italia non è quindi una semplice appendice geografica, ma uno dei luoghi nei quali l’immagine dell’artista si è sedimentata.
La videoinstallazione “Miles Davis in Video”, alimentata da broadcast internazionali, aggiunge tempo e movimento alle altre sezioni. Sul palco Davis comunicava anche voltando le spalle, accennando un gesto, interrompendo una frase o lasciando agli altri il primo piano. Una nota, un cenno o una sottrazione potevano orientare l’intero gruppo. Il video permette inoltre di osservare le trasformazioni del corpo e dell’immagine: dalla compostezza degli anni Cinquanta alla fisicità elettrica dei Settanta, fino al ritorno spettacolare degli Ottanta.
Attorno all’esposizione, Jazzinsieme ha costruito concerti, incontri, laboratori per famiglie, ascolti guidati ed eventi diffusi. Studiosi, musicisti, fotografi e collezionisti hanno affrontato il silenzio nella frase di Miles, i rapporti con il cinema, Gil Evans e John Coltrane, l’eredità musicale, la grafica, il fumetto, la fotografia e il ruolo di Teo Macero. Tra gli ospiti figurano Anthony Barboza, Rodman Marymor, Stefano Zenni e Luca Bragalini. La mostra non celebra soltanto un centenario: crea una comunità temporanea di ascoltatori e fa incontrare ricerca specialistica e curiosità del pubblico.
In questo senso “MILES DAVIS 100 – Listen to This!” evita due pericoli delle ricorrenze: monumentalizzazione e nostalgia. Miles non diventa una statua, né il simbolo di un’età dell’oro. La sua opera resta una domanda aperta. Che cosa significa cambiare senza perdere identità? Quando la tecnologia diventa pensiero musicale? Qual è il confine tra improvvisazione, produzione e composizione? Domande che riguardano Davis e il nostro ascolto.
La scelta di porre l’ascolto al centro assume infine un valore quasi politico. Viviamo immersi in una disponibilità sonora sterminata, ma la quantità non garantisce attenzione. Possiamo raggiungere in pochi secondi gran parte della discografia di Miles Davis e, nello stesso tempo, ridurre ogni brano a frammento, playlist, sottofondo o suggerimento algoritmico. La mostra reagisce a questa dispersione creando tempo, spazio e contesto. Invita a fermarsi su una registrazione, confrontarla con un’altra, seguire un musicista, riconoscere una trasformazione, tornare indietro. Il database non serve a consumare duemila tracce, ma a capire che dietro ciascuna esiste una rete di scelte, relazioni e circostanze.
A cento anni dalla nascita, il modo più sincero di rendere omaggio a Miles Davis non consiste nel dichiararlo definitivamente classico. Significa conservarne l’instabilità e la capacità di mettere in crisi le categorie. Villa Cattaneo ospita una mostra che parla al collezionista e allo studioso, ma anche a chi conosce soltanto “Kind of Blue” o entra senza una discografia in mente. Ognuno può scegliere un accesso e costruire un percorso personale. È questa la forza del progetto di Enrico Merlin: non dire al pubblico quale sia il vero Miles, ma fornire strumenti abbastanza ricchi da far emergere molti Miles, talvolta contraddittori e tutti necessari.
“MILES DAVIS 100 – Listen to This!” rimane aperta fino a domenica 12 luglio 2026. Negli ultimi giorni sono ancora previsti appuntamenti, approfondimenti e visite guidate, mentre il biglietto nominale consente ingressi illimitati. È un dettaglio coerente con l’idea generale: una mostra costruita sull’ascolto non si esaurisce in un solo passaggio. Come un disco importante, chiede di essere ripercorsa. La prima visita serve a orientarsi, la seconda a seguire una traccia rimasta aperta, la terza forse a scoprire che ciò che sembrava periferico era invece il centro.
Miles Davis non ha mai chiesto al pubblico di raggiungerlo in un luogo sicuro. Ha chiesto di seguirlo mentre quel luogo cambiava. A Pordenone, cent’anni dopo la sua nascita, la sfida rimane la stessa: non limitarsi a guardare la storia, ma entrare nel suono, accettare di perdersi e ascoltare ciò che ancora non avevamo imparato a sentire.
Le informazioni su sede, date, curatela, otto sezioni espositive, database, materiali d’archivio, tromba originale, biglietteria e programma sono state verificate sui canali ufficiali di Jazzinsieme e del Comune di Pordenone. La ricostruzione biografica e artistica di Miles Davis è coerente con la cronologia e le schede pubblicate dal sito ufficiale dell’artista e dal National Endowment for the Arts
Questo articolo è stato pubblicato nel numero n.008/26 di GRooVE back Magazine e il link per l’acquisto è QUI 🌐
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